Museo de Arte Everson

En 2019, MILLIØNS ganó un concurso internacional de arquitectura de dos etapas (organizado en colaboración con el decano Micheal Speaks y el decano asociado Kyler Miller de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Syracuse) para diseñar la cafetería del museo. La coleccionista de cerámicas de Dallas Louise Rosenfield se había ofrecido a financiar el proyecto y donar su colección de más de 4000 piezas de cerámica funcional, pero solo si los visitantes del museo podían usar las piezas en la nueva cafetería, no simplemente exhibirlas. El modesto alcance del encargo original, que inicialmente solo incluía un cuadrante del piso superior, dio un giro sorprendente cuando Zeina Koreitem y John May, los diseñadores, concibieron un rediseño mucho más amplio de toda el ala este del museo en torno al tema central de ampliar el acceso público al arte. Este alcance ampliado fue fundamental para la propuesta ganadora del concurso de MILLIØNS, que rompió cuidadosamente con las pautas del concurso. Para ello, convencieron a Rosenfield y a la directora del museo, Elizabeth Dunbar, de su visión, y las obras comenzaron en el verano de 2020, cuando el museo todavía estaba cerrado al público debido a la pandemia de Covid.

Los diseñadores se inspiraron en la obra maestra brutalista de Pei y, en concreto, en la forma en que la distribución de las masas de Everson produce intensos contrastes de oscuridad y luz. Este es particularmente el caso del ala este, que se encuentra en su mayor parte por debajo del nivel del suelo y donde las condiciones de luz natural producen un efecto de claroscuro. MILLIØNS propuso compensar esto introduciendo materiales y superficies que multiplican el reflejo y la refracción de la luz natural. El diseño se centra en una serie de torres de cristal de dos pisos que albergan la colección de Rosenfield y, al mismo tiempo, aportan luz al espacio. Las torres cuentan con estanterías abiertas, que permitirán a los visitantes de la cafetería alcanzar y elegir cualquier objeto de cerámica del que quieran comer o beber, una rara difuminación de las líneas entre el arte y el público.

Este tema de la creciente visibilidad se extiende a un nivel conceptual. Tradicionalmente, los museos establecen una distinción clara entre los espacios de Back of House y las galerías de Front of House. MILLIØNS propuso y llevó a cabo la idea de un “tercer espacio”, un híbrido entre Front y Back que permite que las actividades típicamente separadas de exhibición, almacenamiento, archivo y mantenimiento coexistan y sean experimentadas por el público.

El Ala Este siempre ha tenido una relación ambigua con el resto del museo. El piso superior es de acceso público, pero el piso inferior solo es accesible para el personal, a pesar del hecho de que ambos están unidos, visual y acústicamente, por un atrio de doble altura llamado Mather Court. El rediseño convierte el nivel inferior en un espacio semipúblico para eventos y exhibiciones, al tiempo que crea una nueva biblioteca de investigación y oficinas renovadas para el personal.

En los niveles superior e inferior del Ala Este, MILLIØNS creó una serie de nuevos elementos de exhibición para la colección Rosenfield. Otros elementos notables incluyen una colaboración de mobiliario con Jonathan Olivares (quien fue nombrado recientemente Vicepresidente Senior de Knoll), que incluye una serie de mesas comunitarias que actuarán como superficies curatoriales adicionales para la cerámica. En el exterior, Dunbar encontró financiación para realizar un mantenimiento exhaustivo, impermeabilizar y preservar el edificio original. Se limpió la fachada de hormigón para revelar su tono rosado y se rehicieron los adoquines prestando especial atención al árido original, guiados por la investigación histórica de MILLIØNS. Las nuevas jardineras, diseñadas por MILLIØNS, actualizan el patio exterior recién inaugurado para la cafetería.

Como ejemplo de reutilización adaptativa, el equilibrio que el proyecto logra entre la innovación y la deferencia hacia el original de Pei fue crucial para Koreitem y May. Al final, gran parte de la nueva obra se afirma discretamente, al mismo tiempo que se repliega hacia el fondo, materializando la luz del día y transformando toda el ala este, pero con solo alteraciones mínimas de la obra maestra original de Pei.

NOTAS SOBRE EL COLOR Y LA MATERIALIDAD:

“Desde el principio, queríamos que lo nuevo se diferenciara de lo existente. Queríamos crear un contraste entre las texturas ásperas y desaturadas existentes y las texturas reflectantes e hipersaturadas insertadas. Esto es algo muy común en nuestro trabajo. Nos gusta generar tensiones entre materiales pesados ​​y monolíticos y materiales livianos y delgados. Adoptamos un enfoque heliocéntrico, por lo que todos los colores, superficies y materiales especificados están pensados ​​para realzar la luz natural que entra por los tragaluces. Cuando heredamos el ala este, comprendimos rápidamente que, al ser parcialmente subterránea, el efecto de claroscuro era dominante, pero no favorable para un espacio de galería y cafetería.

Los muebles para el ala este provienen de un tesoro de muebles originales que encontramos en un depósito. Estos fueron especificados por IM Pei, por lo que decidimos devolverles la vida y restaurarlos. Aunque son clásicos (las sillas Cantilever de Breuer en la biblioteca de investigación, las sillas ejecutivas de Saarinen y las sillas lounge de Florence Knoll en las oficinas de los curadores y el director), no queríamos que se convirtieran en muebles clásicos o sentir nostalgia por los esquemas de color de mediados de siglo.

Colaboramos en las cortinas con Justin Morin, un artista residente en París. Justin comprendió nuestra sensibilidad cromática de inmediato y propuso una paleta extraída de la cerámica de la COLECCIÓN ROSENFIELD. Estos degradados fueron luego impresos digitalmente en Zurich por 4spaces.

En nuestro trabajo a menudo se utilizan degradados y paletas de colores tipo arcoíris. Nos gusta trabajar con el color como una especie de acabado volumétrico en lugar de una capa secundaria o superficial. Lo que realmente nos llamó la atención en este proyecto es darnos cuenta de que el agregado de hormigón con el que había trabajado IM PEI estaba teñido de rosa y hay muchos tonos rosados ​​repartidos por todo el museo. Este descubrimiento abrió un enfoque más matizado del color. La paleta de hormigón del museo es mucho más dinámica de lo que uno podría pensar”.

Leé la nota original en inglés > https://arqa.com/en/architecture/everson-museum-of-art.html